Salvar el mundo
(otra vez)

Ya no hay ni una sola idea original o, al menos, eso es lo que afirman los pensadores de la posmodernidad. En Realismo capitalista Mark Fisher escribe que las obras del siglo XX siguen dos patrones fundamentales: o se limitan a hablar y describir el presente más inmediato —El misterio de glass onion es un buen ejemplo de esto— o se basan una y otra en creaciones preexistentes, limitándose, entonces, a representar el pasado. En la fantasía, y en especial dentro de los subgéneros mayoritarios, vemos repetidos ejemplo de estas dos tendencias y desde las obras de ambientación pseudo medievales inspiradas por Tolkien, hasta las diferentes rendiciones a Lovecraft dentro de la fantasía urbana, es imposible escapar de la sensación de que los mundos conocidos atraen a los creadores más que los que se ocultan en su propia imaginación. Y aunque estos pensadores se limitan a hablar de occidente cuando dicen que el capitalismo ha estandarizado y absorbido hasta nuestra propia esencia creativa, esta reflexión también puede ajustarse bien a la evolución del JRPG como género. Porque aunque, de forma paradójica, aquellos juegos que se escapan de la fórmula tradicional son muy celebrados (las sagas Yakuza o Persona bien pueden servir para ilustrar esto), los títulos que ponen a su audiencia en el centro, los creados específicamente para los fans, se mantienen con rigidez dentro de unos limitadísimos tropos que confirman una de las ideas más extendidas de Terry Eagleton: «no hay ninguna esfera exenta de la influencia del mercado, y menos aún en el arte o la cultura. Todo artefacto cultural deviene mercancía». 

Un género se crea y se cimenta a través de sus obras más populares. Por muy revolucionaria que sea una ficción, no será realmente influyente si no llega a la suficientes personas o no lo hace de la forma adecuada. En obras culturales, pero especialmente en videojuegos, un título rompedor (en términos económicos) genera un tsunami de obras similares porque gran parte de ellos —incluso fuera del triple A— sólo se desarrollan bajo lecturas basadas en el marketing y la esperanza de lograr el éxito monetario (el reconocimiento del mercado, como dice Eagleton). Los planteamientos y los tropos se repiten una y otra vez dentro del JRPG porque las historias que los contienen han funcionado históricamente bien a nivel de ventas. Y ahora viene la retroalimentación, ya que si estas historias siguen vendiendo muy bien es porque el público está familiarizado con ellas y consumirlas y reconocerlas les exige muy poco esfuerzo. No intento decir que recurrir a tropos o arquetipos sea algo por defecto negativo, pero hay que admitir que el uso de estos elementos fácilmente digeribles resta impacto a la obra y señala a la audiencia que esa es una cuestión en la que no debe profundizar. Por eso, si toda nuestra narrativa se fundamenta en estas soluciones, el resultado final no pesará nada. Llegará y se marchará de nuestra mente sin dejar ningún rastro. Ni siquiera un mínimo de poso.

El personaje protagonista de Fire Emblem: Engage es un dragón mágico milenario. También una pequeña deidad y un importante miembro de la realeza. Ha despertado con amnesia después de haber dormido durante más de mil años y, en consecuencia, el mundo que conocía (pero que no recuerda) ha quedado definitivamente atrás. Nuestro avatar en Fire Emblem: Engage es, en resumen, un compendio de estereotipos con tantas y tantas cualidades por defecto que, al sernos tan familiares, no buscan invitarnos a pensar ni consiguen dotar al personaje de singularidad. Pero lejos de ser simplemente un avatar silencioso o poco definido en el que pueda proyectarse el jugador, el personaje principal de Engage existe por dos motivos relacionados con el desarrollo y, por tanto, ajenos a las exigencias narrativas del juego. Por un lado, que el protagonista haya estado dormido durante mil años hace que no sea necesario construir diferentes relaciones previas con otros personajes que afecten a la libertad del jugador. Cuando nuestro personaje central despierta solo queda vivo uno de sus contemporáneos y el juegos apenas tiene tiempo de describir sus dinámicas. Pero hacer que nuestro avatar, además de estar solo, sufra de amnesia, abre la puerta a introducir explicaciones detalladas y directas del mundo que nos rodea y su historia que sonarían redundantes o paternalistas hacia otros personajes. Aquí no se escribe para el personaje sino para el jugador que escucha justo detrás de él. Y solo funciona porque lo hemos visto antes. Porque es una copia, de una copia, de una copia.

Incluso las características menores del protagonista, su naturaleza dual como deidad y como miembro de la realeza, cumplen un papel utilitario sin ningún trasfondo expresivo. Su función principal es dejar claro al jugador que aunque ahora tengamos unas habilidades de combate limitadas vamos a ser capaces de despertar un enorme (y divertido) poder. También sirve evitar que los desarrolladores tengan que trabajar dinámicas orgánicas entre los personajes y dotar al protagonista de una verdadera personalidad. Porque aquí somos en realidad el jefe de todos y muchas de las unidades que nos acompañan en batalla tienen que jurarnos lealtad por quienes somos y no por lo que podemos hacer en realidad. De la misma manera (y a excepción de un pequeño matiz que conocemos al final) nuestros enemigos nos odian instintivamente por nuestra naturaleza y no por la realidad de nuestras interacciones dentro del juego. Y si este tipo de personajes transparentes y perezosos no nos molestan —hace tan solo unos meses encontrábamos uno idéntico dentro de Midnight Sun— es simplemente por la familiaridad. Porque esto es algo que pasa en videojuegos. Porque lo hemos experimentado ya.

La pereza en la narrativa de Engage se extiende a sus objetivos, lore y concepción del mundo. Aquello que nos pone en marcha en el juego es tanto una misión que nos sobrepasa —nuestro destino, salvar el mundo (otra vez)— como una venganza personal por una afrenta que, en este caso, no es exactamente la total aniquilación de nuestra aldea pero bien podría serlo. Y tras empezar a andar, porque como no podía ser de otra manera tenemos que coleccionar una serie de objetos antes de que lo haga nuestro enemigo, recorremos una serie de reinos diferentes entre sí pero totalmente iguales a otros reinos que hemos visitado ya antes en otras vidas. En otras historias. Teniendo en cuenta que una de las mecánicas de combate más interesantes en la saga Fire Emblem es la posibilidad real de perder unidades si caen durante batallas importantes, trabajar con estereotipos resta impacto emocional a la estrategia. En comparación, Three Houses nos hacía poner en una balanza nuestras preferencias en cuanto a estrategia, nuestra afinidad personal con el personaje secundario y la naturaleza del mismo dentro de la historia que estamos experimentando. La decisión, por tanto, pesaba mucho más. Lo que había en el tablero era mucho más que un simple muñeco.

Como el resto de títulos dentro de la saga, Fire Emblem: Engage cuenta con un sistema de combate satisfactorio para el recién llegado y profundo para el fan habitual que aquí se refuerza con la existencia de la «fusión», un sistema de superataques con un límite temporal que tendremos que utilizar solo en el momento adecuado. En conjunción con sus excelentes animaciones y unos diseños que prescinden de texturas para ganar dinamismo y expresividad, combatir en Fire Emblem nunca había sido tan espectacular. Sin embargo, todo lo que rodea a estas batallas resulta fallido de alguna u otra forma. El formato de los capítulos acaba por sentirse encorsetado, y ni la exploración ni los minijuegos consiguen hacer su universo interesante. Porque ya no existen ideas originales pero en Engage esto es más evidente que nunca. Y lo peor no es solo que como JRPG no llegue a aportar nada, es la certeza de que, como producto de un proceso creativo, tampoco busca aportar.

[ Narrativa: 3 Jugabilidad: 7 Apartado visual: 8 ]