Detroit: Become Human, el efectismo de David Cage y los juegos con fecha de caducidad

Que Detroit: Become Human es un juego de David Cage puede verse en todas y cada una de sus facetas. Como buena fusión entre cine y videojuegos, la narrativa sobrepasa las mecánicas, por lo que la innovación en la forma de contar la historia se vuelve mucho más importante que encontrar nuevas formas de jugarla. A la elección de diálogos y a las escenas de quick time events, este nuevo título de Quantic Dream añade algunas secuencias —en el modo de juego más sencillo, y para evitar que muramos a causa de fallos en la acción— en las que podemos «ensayar nuestros movimientos», es decir, hacer una prueba ficticia de cómo terminaría la escena antes de lanzarnos a realizarla. Esta opción, que está perfectamente integrada en la historia gracias a la capacidad sobrehumana de sus protagonistas, es la única novedad dentro de la parte técnica que podemos encontrar, por lo que, a todos los respectos, Detroit se siente como un juego de Cage más.

Pero donde más reconocemos Detroit como una obra de Cage es en sus defectos. El tratamiento de la mujer protagonista, las meteduras de pata relacionadas con sensibilidades raciales —como las derivadas de usar citas de Martin Luther King— o el trazo grueso en sus metáforas son tan sello del autor como su adhesión al género «elige tu propia aventura». Una marca de la casa a la que tendríamos que sumar la fecha de caducidad. Porque si hay algo que se parezca a un juego de Cage es un yogur. Sí, hay que tirar aquí también de metáfora facilona; nos lo pone en bandeja. Como los postres, los títulos de Cage resultan deliciosos cuando llegan en el momento apropiado pero, si dejamos que transcurra el tiempo suficiente, no importa siquiera si estamos ante nuestro sabor favorito, se transforman en algo no solo incomible, sino difícil de digerir. Es una especie de bomba que lanza contra tus propias palabras y primeras impresiones. Este efecto se produce porque Detroit: Become Human, como otros juegos de Cage, pertenece al género de la anti-ciencia ficción.

Si Quantic Dream tiene una habilidad es la de sacar su juego en el momento preciso. Detroit: Become Human está sumando buenas reseñas que, en general, se elevan por encima de las críticas puntuales. También lo hizo Heavy Rain, título que más tarde sería repudiado incluso por los que lo disfrutaron. Y es natural. Si uno de los reclamos que se usan para vender es la rejugabilidad y la posibilidad de crear una historia a medida, todos los giros argumentales deben ser coherentes en todas las líneas narrativas. Más aún, como en El sexto sentido o en El club de la lucha, un buen twist será aquel que consigue que la trama se disfrute más una vez conocido. El guión de Detroit no cumple ninguna de las premisas. Vayamos por partes.

Cuando prima el shock value por encima del impacto emocional

Estamos en la época del shock value. Del cliffhanger y del plot twist. Ante la abundancia de productos culturales, una manera (quizás barata) de sobresalir es sorprendernos. No por casualidad, esta tendencia coincide con la época dorada de las series. Se producen series, demasiadas, y todas quieren hacernos volver. Juego de Tronos en formato televisivo ha extendido un concepto que en la literatura ya popularizó Dan Brown, y es que mientras el espectador esté con la boca abierta no importa demasiado la calidad del misterio. La pregunta principal se traslada desde qué va a pasar a cómo, de quién ganará a quién morirá, y si será doloroso. Ya que todo es una copia de una copia, la introducción del plot twist constante consigue que sigamos tragando más de los mismo. Porque eso es lo que es Detroit. Más de lo mismo (pero con robots).

Que Quantic Dream busca sorprender más allá de emocionar o de crear una buena historia se hace especialmente evidente en el arco argumental de Kara. Los que habíamos seguido la promoción del juego ya estábamos al tanto que su «despertar», su momento de romper el código hacia la divergencia, se producía durante una dura escena de maltrato a Alice y gracias a su determinación por protegerla. La seguridad de la niña se convierte rápidamente en el objetivo del personaje, por lo que todos sus capítulos, más que en hacer avanzar la trama principal, la de la liberación de los androides, consisten en poner al dúo en peligro una y otra vez. A causa de esta simpleza, Kara no crece como personaje más allá de su faceta de madre, así que, para identificarnos con ella, por obligación, tendremos que vincularnos emocionalmente con Alice, un personaje plano y mal construido que carece del carisma de otras «niñas de juegos» como Clementine en The Walking Dead o, especialmente, Ellie en The Last of Us.

El giro argumental de la trama de Kara pretende poner tanto al jugador como al personaje contra las cuerdas. Al descubrir que Alice también es un androide, Cage pretendía que reevaluáramos nuestra opinión sobre los robots subrayando de esta forma que no hay en realidad ninguna diferencia entre humanos y máquinas. El twist, que parece tener la intención de unificar todo el mensaje del título, resulta blando y poco emotivo precisamente por eso: porque para llegar a él hemos tenido que pasar las horas anteriores eligiendo activamente ese mismo mensaje, que los androides son, efectivamente, nuestros iguales. El problema al descubrir la verdadera naturaleza de Alice resulta desasosegante cuando averiguamos que, precisamente por él, el arco argumental de Kara resulta incongruente al volver a jugar porque, por mucho que Kara y Alice quieran engañarse a sí mismas, los androides pueden reconocer a sus semejantes y no hay razón alguna por la que Ralph, Luther o Connor decidan pasar por alto la cuestión. Tampoco podemos olvidar la secuencia en la mansión de Zlatko en la que Kara es separada de Alice para borrarle la memoria mientras que el científico loco se pregunta una y otra vez qué hará con la niña «humana».

Según las estadísticas mundiales que proporciona el juego, el 98% de los jugadores decidió seguir tratando a Alice con la misma familiaridad una vez que Lucy nos hubo desvelado su secreto, un hecho que no se produce hasta que ser un androide está considerado peligroso y, por lo mismo, son abatidos sin contemplación. La revelación, al menos para la mayoría de jugadores, no tiene ningún efecto. Tampoco para Kara, cuyo objetivo (poner a Alice a salvo) y las dificultades para conseguirlo (los enemigos que quieren separarlas) siguen siendo los mismos que en la primera escena. Menos uno. Porque, en un gesto vergonzoso, Quantic Dream permite que el villano que iniciaba la trama de Kara obtenga una redención, precisamente, gracias al cambio de perspectiva que otorga el giro argumental.

Si jugamos bien nuestras cartas, Kara y Alice conseguirán llegar a la estación de autobuses en la que un billete a Canadá significa la diferencia entre la vida y la muerte. Allí encontramos al supuesto padre de Alice, el antiguo propietario de Kara, que, a pesar de ser un maltratador, alcohólico y drogadicto, tiene ocasión de narrar su «triste historia» y culpar a su despiadada ex-mujer de todos sus actos. Al parecer, pegar, hacer sufrir, maltratar y destruir a seres con consciencia (y forma femenina) está permitido si tu antigua pareja te prohíbe el contacto con tu hija (a saber por qué), a la que echas mucho de menos, por supuesto, y no puedes reemplazar. Una decisión cuestionable que, unida a la revelación que le hace Amanda a Connor, parece indicar que la filosofía de Quantic Dream pasa por creer que detrás de cada hombre malo hay una mujer aún peor.