Super Mes Mini #17: Super Mario World

Super Mario Bros. marcó, en el año 1985, la senda que habrían de seguir los videojuegos domésticos a partir de entonces. Después de una segunda parte que supuso un paso lateral en la franquicia (introduciendo, eso sí, algunos elementos que llegaron para quedarse), Super Mario Bros. 3 se estableció como el fruto de la madurez de unas ideas que a duras penas cabían ya en la arquitectura de la NES. El rebufo del salto generacional provocó que todas esas ideas salieran disparadas de las cabezas de Miyamoto, Tezuka y compañía, hasta los circuitos de la nueva plataforma, y el que iba a ser bautizado como Super Mario Bros. 4 decidió que ya era lo suficientemente mayor como para recorrer el mundo por sí solo y hacer alarde de ello.

Super Mario World no hace nada radicalmente nuevo con respecto a sus predecesores, pero pule la fórmula y la eleva para sentar las bases de los futuros títulos de la franquicia del fontanero y su cohorte de amigos y enemigos, del género de las plataformas, y de los videojuegos en general, de su particular lenguaje. Y, sin embargo, no parece que se haya innovado demasiado desde entonces. Super Mario World es la aventura total. 16 bits son suficientes bits como para hacer un juego eterno. A pesar de las turbulencias desencadenadas por la musculatura tecnológica a lo largo de los años, nadie ha sabido aportar ningún cambio esencial en el esquema; tan solo adaptarlo a nuevas arquitecturas, nuevas perspectivas, domarlo para servir a propósitos concretos o, en el peor de los casos, reducirlo a mínimos rudimentarios.

Curiosamente, las reglas no escritas de un género que no sería igual sin las aventuras del fontanero regordete no se aplican a Super Mario World. No hay una lógica interna, un sentido de continuidad entre cada mundo o entre las distintas fases que conforman cada uno de estos mundos. Salvo los nombres comestibles —esa esquizofrenia de azúcar derramada— y las pertinentes casas fantasma y castillos, el juego habla en un timbre de improvisación constante. Las dinámicas de avance, la estructura del juego, de los mapas de cada fase y de los mundos, incluso ciertas decisiones estéticas, parece que no obedezcan a nada que no sea la espontaneidad. Hay una rara energía, una vena palpitante que atraviesa las distintas capas que abrigan la experiencia de juego, sus espacios tangibles y sus márgenes, para hacerla mutable, siempre cambiante.

Que la palabra world fuera contenida finalmente en el título tampoco parece ser algo arbitrario, sino que hace referencia a esta nueva apertura de planteamiento, a la ambición del juego por ofrecer un espacio de ocio y disfrute complejo y diverso, con una geografía impredecible que parecía responder al puro azar y sin embargo resulta el diseño perfectamente estudiado de un demiurgo con siglos de experiencia. Las posibilidades del juego se ubican en esa línea incierta entre lo visible y lo invisible. Cada pequeño espacio es susceptible de albergar un sinfín de posibilidades fruto de esas combinatorias entre ruta, dirección, acción y power up utilizado. Probablemente, éste sea el juego que mejor encarna la consabida anécdota de Shigeru Miyamoto (a la izquierda, arriba; NdE) y sus paseos por el campo como fuente primaria de inspiración a la hora de imaginar aventuras en mundos digitales.

Música Multicolor

Koji Kondo, eterno compositor de la casa Nintendo (a la izquierda, abajo; NdE), ha afirmado en diversas ocasiones que el proceso de composición musical es, en su caso, indivisible del proceso de diseño y desarrollo del juego. Kondo compuso el primer tema de Mario jugando a Super Mario Bros. y observando atentamente el proceso de desarrollo del juego. La música está inspirada en los controles del juego, y su propósito es potenciar las sensaciones que se desprenden al jugar. En una entrevista concedida a WIRED en marzo de 2017, Kondo hablaba de esta necesidad de de encajar la música, de alguna manera que tenga sentido, en la mecánica. No puede ser algo que simplemente suene mientras juegas, sino que tiene que formar parte del juego. De hecho, uno de los hitos de Kondo con respecto a su trabajo en Super Mario World es que la mayoría de las melodías que suenan en el juego son variaciones del mismo tema principal (a excepción de la del título, el mapa, los créditos y los enfrentamientos contra Bowser). Estas variaciones fluctúan para encajar con las distintas atmósferas y exigencias de cada nivel. El tema estándar suele aparecer en los niveles «normales» exteriores; una variación mucho más cavernosa y metálica nos acompaña durante nuestras incursiones subterráneas; una versión lenta y ondulada nos mece durante los niveles marinos; otra mucho más rápida y apremiante en las pantallas speedrun.

La música de Super Mario World, sus composiciones vibrantes y audaces, sirve al mismo propósito de multidimensionalidad a través del cual el juego respira y se realiza, marcando ritmos, pausas y temperamentos, e impregnando con ellos al jugador. Las influencias de Kondo, que van desde la música clásica hasta el jazz fusión, pasando por una interesante variedad de ritmos populares, son palpables en Super Mario World (especialmente estas dos últimas). Como un jazz de muchos brazos, las melodías del juego discurren alegres, esparciéndose por las praderas verdes y los cielos azules; nos infunden prudencia en las zonas de mayor peligro, y nos animan, también, a jugar en el sentido más amplio del término, con todo lo que tenemos delante. Nos invitan a corretear, a rascar detrás de cada pixel, de cada pequeño segmento, buscando sus grietas escondidas.